Lo spettacolo

In tutta l'opera di Shakespeare affiora un desiderio di pace che si staglia sul cupo sfondo della violenza e della guerra. Emerge in versi fugaci, spesso affidati a un personaggio minore - appena una parola, poco più di un sospiro. Un lord senza nome implora in Macbeth: «Give to our tables meat, sleep to our nights, / Free from our feast and banquets bloody knives.»

La tragedia trabocca di sangue: quello sul viso di Macbeth che torna dalla guerra, quello dei corpi di chi si frappone tra lui e il potere, il sangue sulle mani di Lady Macbeth mentre sprofonda nella follia e nella morte. Eppure Macbeth è un dramma storico, radicato in fatti reali di un passato lontano. Attraverso questa storia Shakespeare esplora i cicli ricorrenti della storia, la sete insaziabile di potere e l'elusiva ricerca della pace.

When shall we three meet again?
In thunder, lightning, or in rain?

L'eredità di Shakespeare è sconfinata, come il mare: più se ne prende, più ce n'è da prendere - perché lui ama infinitamente i suoi personaggi. Anche Macbeth.

Quando Macbeth muore, qualcosa muore con lui - potremmo chiamarla ambizione, o un'immaginazione sconsiderata che non si riesce ad arrestare. Eppure, nonostante la sua oscurità, la sua vitalità permane in noi. Forse non riusciamo ad amarlo come fa Shakespeare, ma lui ci abita, e questo ci fa capire più in profondità di che cosa siamo fatti.

La storia

Saper raccontare bene una storia salva le vite. Lo sa bene Ulisse come lo sa Sheherazade come lo sanno tante altre e altri, principesse o contadini, che popolano la nostra anima di esseri umani.

Una storia di cantori uno dentro l'altro come strati di una cipolla: Omero per primo, il cantore che la leggenda vuole cieco, canta Demodoco, "il cantore che la Musa amava molto, ma un bene e un male gli dava: lo fece privo degli occhi e gli donò il dolce canto". Poi sarà la volta di Ulisse stesso che si farà cantore della propria storia, e di cui Alcinoo dirà "tu hai una bellezza nelle parole, il tuo racconto l'hai fatto come un cantore, non come quei fabbricanti di false avventure". Anche Zeus e Atena, coi loro siparietti comici che aprono e chiudono la vicenda, a metà tra spettatori e commedianti di varietà, potrebbero rivendicare un qualche diritto d'autore. E ultimi arriviamo noi, che vogliamo cantarla in rispettosa allegria come se fosse la prima volta, sperando di farla amare a chi viene dopo quanto l'amiamo noi.

Forse per Ulisse-Omero la distinzione menzogna-verità non esisteva, egli raccontava la stessa esperienza ora nel linguaggio del vissuto, ora nel linguaggio del mito, così come ancora per noi ogni nostro viaggio, piccolo o grande, è sempre Odissea.
- Italo Calvino, Le Odissee nell'Odissea (1983)

La storia

Un concerto-narrazione su Claudio Monteverdi, l'uomo che ha trasformato la musica in racconto.

Mantova, fine del Cinquecento. Un compositore in cerca di una via per far cantare le storie scopre che i versi possono diventare suono, e il suono può diventare emozione che muove. È nato il melodramma, ed è nata l'opera moderna.

Tra letture, frammenti dei madrigali e brani dall'Orfeo, dall'Incoronazione di Poppea e dal Ritorno di Ulisse in patria, la Dual Band ricostruisce la rivoluzione di Monteverdi: il padre involontario di un genere che oggi diamo per scontato.

Lo spettacolo

Una scelta impossibile

Una famiglia indebitata. Una figlia bellissima. Un ricco amico di famiglia che apprezza la bellezza. Un affare molto semplice.

Non è il Sexgate: siamo all'inizio del Novecento, in un grande albergo nelle Dolomiti. Ma la storia è sempre quella.

Un pezzo di bravura
per attrice sola,
nel paesaggio dell'anima di Else.

Un nudo annunciato. Un monologo interiore (con qualche momento di dialogo che abbiamo scelto di far «raccontare» all'attrice-Else) che verte su una scelta: accettare le regole del gioco, note a tutti, e per un quarto d'ora lasciarsi guardare nuda da von Dorsday, il mercante d'arte che apprezza la bellezza, oppure l'exitus verso le fredde stelle che l'attendono fuori dal grande albergo?

Una novella che chiede il palcoscenico

La novella, datata 1923 ma purtroppo tristemente attuale, è scritta da un drammaturgo: e si sente. Else gioca a fare la sofisticata, ma, con i suoi candori e le sue passioni, è una bambina.

Proprio per la sua straordinaria vividezza e carnalità, fin da subito questo ritratto di donna così pienamente novecentesco è stato «risucchiato» dalla pagina scritta in palcoscenico, ponendosi come una sfida, un banco di prova per la bravura di un'attrice sola. Schnitzler ha messo letteralmente a nudo Else: il suo genio è tutto nel modo in cui la voce interiore, le maschere, la vergogna e il desiderio si intrecciano in un solo flusso.

La storia

Ci si potrebbe azzardare a definirla la commedia più divertente mai scritta in inglese.

Da Carroll a Wilde, da Joyce a John Lennon, uno dei filoni più interessanti della cultura inglese (ma dovremmo dire britannica) affonda le proprie radici nel paradosso, nel celebre nonsense che è lo scheletro stesso dello humour inglese. Il falso che, facendo da specchio a ciò che viene comunemente considerato il vero, risulta più vero del vero.

The truth is rarely pure, and never simple.
- Oscar Wilde

A una lettura di primo grado non si può non osservare l'estrema frivolezza di tutti i personaggi sulla scena. L'importanza appunto di chiamarsi con un nome piuttosto che con un altro è tale che l'amore, se il nome è sbagliato, svapora come rugiada in una giornata estiva in un giardino inglese.

Ma è proprio qui che ritroviamo il senso più alto, e tutt'altro che frivolo, della commedia. È come se tutti i personaggi fossero intrappolati, come una mosca nell'ambra, in un ruolo prefissato e crudele.

Con la sua lingua effervescente, le sue situazioni surreali e l'insuperato gioco d'attori, Oscar Wilde ci fornisce un'eccellente palestra per il nostro buonumore e la nostra intelligenza.

Lo spettacolo

Potenza espressiva degli spazi: il Rifugio antiaereo di piazza Grandi parla già da solo. La fontana fu costruita nel 1936 per mimetizzare il rifugio, che fu usato soprattutto nel 1944. Ha contenuto odissee individuali, e appena entri lo senti.

Era un «rifugio popolare»: i secchi appesi a ganci per l'acqua potabile, altri secchi per i bisogni corporali (esistevano anche «rifugi signorili»). Teneva fino a 450 persone. Delle 24 stanze, oggi sei sono agibili.

Un racconto sulla quotidianità di sei guerre,
raccontata da gente normale.
Una storia per ciascuna stanza.

Il pubblico attraversa lo spazio camera per camera. In ogni stanza, una voce, una guerra, un frammento di quotidianità: la spesa che non si trova, le notti senza dormire, le lettere che arrivano e quelle che non arrivano più, la radio, il pane, i bambini. Le grandi guerre del Novecento e quelle che non finiscono mai, raccontate da chi le ha vissute non come Storia ma come giornate da attraversare.

Le guerre nel mondo sono oggi cinquantanove: purtroppo abbiamo l'imbarazzo della scelta.

Lo spettacolo

Beniamino Borciani nel 2024 ha fondato un Coro (ri-Costituente, of course), con cui proprio al Rifugio antiaereo di piazza Grandi, il 25 aprile 2025, abbiamo avuto l'onore di festeggiare gli 80 anni della Liberazione.

Il Coro canta gli articoli della Costituzione,
i giovani leggono le lettere
dei condannati a morte della Resistenza.

Il Coro canta alcuni articoli della Costituzione, musicati per l'occasione da Mario Borciani, mentre alcuni giovani allievi del Progetto ri-Costituente leggono lettere dei condannati a morte della Resistenza europea.

Lo spazio non è scelto a caso: il Rifugio è uno dei luoghi più potenti che Milano custodisca per parlare di pace, giustizia e uguaglianza. Tra le pareti che hanno protetto centinaia di persone nel 1944, le parole della Costituzione tornano al loro punto di origine, accanto alle voci di chi quella libertà l'ha pagata con la vita.

Un'occasione straordinaria per far vivere fisicamente ai giovani spettatori che cosa significhi essere in guerra. E così far sentire da che cosa è nato il bisogno di una Costituzione.

Lo spettacolo

Una notte di giugno

Una notte di giugno a Dublino. Leopold Bloom dorme. Sua moglie Molly non riesce a prendere sonno, e pensa.

Otto paragrafi senza punteggiatura, un flusso di coscienza che attraversa amori, ricordi, desideri, fastidi, ironie, ferite, e termina nel Sì più famoso del Novecento. La voce di una donna che dice tutto quello che le altre voci della letteratura non avevano detto, e lo dice in un inglese vivissimo, sporco, musicale, libero.

Come si rendono le parole
senza punteggiatura di Molly,
senza fermarsi mai,
senza mettere il punto
che Joyce non voleva?

È la domanda da cui nasce questo spettacolo, scorporato dalla serata Falling faintly and Faintly Falling. Una domanda che si è risposta in musica: il pianoforte di Mario Borciani, la batteria di Carlo Battisti, il clarinetto di Beniamino Borciani non commentano, accompagnano. Tengono il fiato. Permettono al monologo di non fermarsi.

A 101 anni dalla pubblicazione dell'Ulisse, ancora osceno, ancora poetico, ancora capace di far ridere.

In italiano o in inglese

Lo spettacolo si fa in entrambe le lingue, in serate diverse. La scelta dell'inglese non è un vezzo filologico: è la lingua di Joyce, la lingua di Molly, e ogni traduzione spegne qualcosa di quel ritmo. La versione italiana, costruita con cura, restituisce il senso e la musica per chi preferisce la lingua propria.

Lo spettacolo

Una vecchia festa di Natale

Una vecchia festa di Natale dublinese. Le zie, le quadriglie, le ballate. E fuori la neve che cade faintly through the universe, a ricoprire tutto: i vivi, i morti, gli antichi amori.

È The Dead, la novella conclusiva dei Dubliners, una delle pagine liriche più alte di tutta la letteratura inglese. James Joyce, alla fine del libro che ha cambiato Dublino in mito, lascia che tutto rallenti dentro una stanza scaldata e una neve fuori, e che un uomo si chieda, per la prima volta nella sua vita, chi è davvero la donna con cui dorme da anni.

His soul swooned slowly
as he heard the snow falling faintly
through the universe.

Quaranta minuti come una caduta lenta dentro la lingua di Joyce. Lo spettacolo nasce dallo scorporo del primo quadro della serata Falling faintly and Faintly Falling: il pezzo si tiene in piedi da solo, e il formato breve permette di portarlo in spazi e contesti dove la durata di una serata intera non sempre è possibile.

Voci e strumenti

Tre voci in scena (Anna Zapparoli, Benedetta Borciani, Beniamino Borciani) e tre strumenti dal vivo: il pianoforte e le tastiere di Mario Borciani, la batteria di Carlo Battisti, il clarinetto di Beniamino Borciani. Le ballate dublinesi che attraversano la novella tornano vive, suonate qui ora, mentre la neve continua a cadere.

In italiano o in inglese

Lo spettacolo si fa in entrambe le lingue, in serate diverse. La versione inglese restituisce per intero la prosa di Joyce, sopratitolata in italiano. La versione italiana è costruita per chi preferisce la lingua propria, senza perdere il ritmo dell'originale.

Lo spettacolo

Quando un libro per bambini è bello, non è solo per bambini: è per tutti, perché risveglia il bambino che è ancora in ognuno di noi.

Perché Alice è eterna? Perché è una bambina allo stesso tempo indomita e curiosa, tenera e ragionevole. Alice sogna, ma perfino nel suo sogno riesce a mantenere un buonsenso tanto più solido in quanto affonda le proprie radici nel proverbiale umorismo degli inglesi.

Le apparizioni di sogno (il Bruco, il Gatto, il Cappellaio e tanti altri, sottolineate dalle visionarie scenografie di Barbara Petrecca e dagli effetti sonori di Mario Borciani) le si fanno incontro sulla scacchiera-mondo in cui lei sta giocando col ruolo di Pedone. Sono spesso divertenti, non di rado sgradevoli, ma sempre illuminate dal lampo dell'assurdo.

Lo spirito conciliante di Alice
le permette di scendere a patti con ognuna di esse:
il Pedone diventa Regina,
i mostri della notte
convivono utilmente con la realtà di ogni giorno.

Cavalcando quel crinale sottilissimo che separa, o unisce, angoscia e sense of humour, incubo e filastrocche per l'infanzia.

In italiano o in inglese

A causa del perfetto bilinguismo dei due attori in scena, Benedetta e Beniamino Borciani, lo spettacolo è disponibile sia in italiano sia in inglese: si può scegliere di gustare la lingua raffinatissima e al tempo stesso deliziosamente semplice di Lewis Carroll, il professore di logica matematica tanto appassionato ai rovesciamenti di senso e ai giochi di parole, padre di tutto il surrealismo inglese (e non solo), da Joyce ai Beatles, da Kafka a Oscar Wilde ai Monty Python.

Lo spettacolo

Una storia mai accaduta prima e mai più ripetuta: quella dei Beatles.

Un concerto-racconto che ripercorre la parabola artistica e di vita dei Fab Four. Dall'incontro fra John, Paul, George e Ringo alla gavetta nei piccoli club di Amburgo, dal Cavern Club di Liverpool fino ai tour mondiali davanti a folle sterminate, raccontiamo quel periodo magico, gli anni Sessanta, in cui da un'Inghilterra uscita distrutta dalla guerra ma affamata di musica, colori e rinascita, spuntarono fuori quattro ragazzi che cambiarono per sempre le regole del gioco.

Diciassette canzoni,
tra grandi classici e perle meno conosciute,
raccontate in musica e parole.

Da sempre appassionata al mondo dei Beatles, la Dual Band offre in questa serata-racconto diciassette canzoni, fra grandi classici e perle meno conosciute, fino ad arrivare ad alcune gemme solistiche di Paul, John e George. Il tutto raccontato in musica e parole come è cifra stilistica della band: un pianoforte e un quartetto vocale che a sua volta fa tutti gli strumenti.

Perché lo proponiamo (anche) in inglese per le scuole superiori

Attraverso il cantato i ragazzi possono avvicinarsi alla lingua inglese in modo più immediato e coinvolgente. Sulle parti di racconto parlato la scuola può scegliere, visto che i membri della compagnia sono bilingui, se preferire l'inglese o l'italiano.

Lo spettacolo

A causa della sua sordità ormai quasi totale, racconta un testimone del tempo, «dal 1818 alla morte la conversazione con Beethoven dovette farsi in parte per iscritto: egli parlava, i suoi interlocutori erano obbligati a scrivere le loro domande e risposte. A questo fine egli aveva sempre a portata di mano dei grossi quaderni di carta ordinaria, di formato in-quarto, e delle matite da muratore.»

La Dual Band ricostruisce gli ultimi anni della vita di Beethoven teatralizzando i suoi Quaderni di conversazione, e giocando sulla straordinaria varietà di temi che ne emergono, spesso in una sola pagina: ricerca sempre faticosa delle governanti, conti lunghissimi (Beethoven non sapeva fare le moltiplicazioni e incolonnava addizioni anche interminabili), liste di vivande, appunti per libri da acquistare, indirizzi di enoteche, discussioni politiche e artistiche, pettegolezzi sui protagonisti della vita culturale viennese.

E naturalmente abbozzi per i suoi capolavori estremi: la Nona Sinfonia, la Missa Solemnis, gli ultimi Quartetti. Di queste opere vengono fatti ascoltare vasti brani; mentre Mario Borciani esegue dal vivo alcune parti delle Sonate op. 106, 110 e 111, e alcuni canoni scherzosi che Beethoven improvvisava in birreria per gli amici. Alle parole dei quaderni si aggiungono alcune tra le lettere che Beethoven scrisse negli ultimi anni della sua vita.

Tra la fatica di vivere
e la dura felicità di creare,
la vita in un quaderno.

Lo spettacolo

La Mina e la Franca sono come la 500: come si fa a non amarle? Mettono d'accordo tutti.

Le immaginiamo insieme, le due, come furono effettivamente a Studio Uno nel 1966, a dialogare scherzando e prendendosi reciprocamente in giro. Da questa cornice raccontiamo, attraverso le loro due storie, un pezzetto di storia della televisione italiana, e dunque di noi.

C'erano tanti modi di essere donna nello showbiz di quegli anni, ma uno imperava: quello della procacità fisica. Era il momento delle maggiorate, e alcune «attrici» si facevano un vanto, e creavano un personaggio, proprio dichiarando che non sapevano fare niente.

E invece la Franca e la Mina no:
erano lì perché erano brave,
erano indiscutibili. Talento puro.

La Valeri, classe 1920, scrittrice e show-woman di respiro europeo, come dimostrano il debutto e la fama acquisita a Parigi prima ancora che in Italia. La Franca (come si dice a Milano) appare in tailleurino nero da lavoro, quasi una divisa da mimo, e attraversa cento donne, cento accenti, cento classi sociali senza cambiare parrucca o costume, per raccontare con occhio mai volgare i cambiamenti del costume italiano.

Mina Mazzini, ma per tutti Mina, come se fosse una di casa: e di casa lo era, teenager prorompente e scatenata nel tinello di tante famiglie italiane nell'epoca del boom. Il suo esordio, di pochi anni successivo a quello della televisione, fu un successo immediato e travolgente fin da subito. Ma ancor più impressionante è la sua intelligenza d'artista: la sua voce conosce un'evoluzione prodigiosa, e Mina ricerca e predilige una femminilità quasi sempre infelice, destinata a una clandestinità inspiegata ma evidentissima. Mina è l'amante, a contrasto con le molte mogli petulanti o frustrate della Valeri.

Poi per entrambe un ritiro parziale dalle telecamere: per la Valeri, l'interesse per il mondo della regia d'opera e il ritorno al teatro da attrice, fino a oltre i novant'anni. Per Mina, sapiente nel suo ritiro quasi mitologico dalla vista di noi mortali, per rimanere nella nostra vita solo come voce, e che voce anche oggi: lei, la Tigre, resta la colonna sonora inconfondibile e nostalgica della nostra identità.

In questo Studio Uno astrattizzato della Dual Band vivranno alcuni dei più begli sketch della Valeri, interpretata da Benedetta Borciani; Beniamino Borciani sarà invece Mina, e alternerà alcune delle canzoni classiche e irrinunciabili del periodo d'oro con alcune divertentissime dei suoi primordi. E non mancheranno alcuni indimenticabili sketch di Carosello.

Lo spettacolo

Due protagonisti: Scrooge e una lanterna magica.

Per dare corpo, ma soprattutto luce, ai fantasmi crudeli e umoristici di Scrooge, il più famoso avaro della letteratura inglese, abbiamo inventato un trabiccolo speciale, molto in stile con le lanterne magiche che impazzavano in Europa ai tempi di Dickens.

I fantasmi che si aggirano ilari per il nostro palcoscenico sono figurette ritagliate nel cartoncino e movimentate dal vivo: diventano gigantesche per terrorizzare il povero Scrooge, l'unico presente in carne e ossa, sullo sfondo di una Londra vittoriana disegnata e cupa quanto basta. Scrooge alle prese con le ombre del passato, del presente e del futuro, fino al finale liberatorio.

Perché è stato in gran parte Dickens
con questa parabola
a fare del Natale quello che è per noi,
credenti e non.

A good time: a kind, forgiving, charitable, pleasant time: the only time I know of when men and women seem to open their shut-up hearts freely, and to think of people below them as if they really were fellow-passengers to the grave, and not another race of creatures bound on other journeys.

Il sacro ora siamo noi umani a doverlo far vivere, con uno sforzo di letizia anche un po' alticcia: i fantasmi passano e vanno, i miracoli accadono.

Lo spettacolo

Ma ce lo meritiamo noi Schubert?

Più di seicento Lieder: e se li chiamiamo così mettono subito soggezione, ma non c'è niente di più sbagliato. Canzoni sono, e hanno lasciato un'eredità ricchissima a tutti quelli che dopo di lui pensano la musica in canto, da Brahms a Brecht e Weill a Paul McCartney: le novità di Schubert nel campo dell'armonia, della ritmica e della struttura melodica sono un evento fondamentale nella storia della musica europea.

Seriamente, ce lo meritiamo Schubert? Ce lo meritiamo questo David senza fionda, questo David occhialuto che, vivendo nell'ombra scomoda e titanica di Beethoven, nella stessa Vienna, negli stessi anni, ci svela un universo che potremmo definire opposto?

Nessuno più di lui creò tragedie
senza mai tragicizzare,
nessuno più di lui si concesse
alla melodia del mondo
senza mai volerla esaurire.

Sulla linea dei concerti-racconto della Dual Band (Beethoven, Mozart, Monteverdi), percorriamo la sua breve e non facile vita attraverso le testimonianze dei suoi amici, le lettere, gli aforismi, le pagine di diario e le brevi pagine liriche che scrisse. E naturalmente attraverso pezzi per pianoforte e i suoi Lieder, oops, canzoni: il genere musicale in cui non ebbe né prima né dopo esempi di altezza paragonabile, cantati da Emil Abdullaiev e Beniamino Borciani.

Lo spettacolo

Gli dèi greci sono i più simpatici di tutti, è inutile star lì. Forse per questo ogni generazione successiva ha avuto bisogno di dialogare con loro: sono giganteschi, divini, paradigmatici di virtù e peccati universali, e un momento dopo si comportano come il tuo cugino scemo.

Alla fine emerge dal quadro un personaggio unico: un uomo, una persona, che siamo tutti noi. Ecco perché vogliamo far parlare ancora loro. Deus ex Musical racconta in musica il mito dell'origine del mondo, la Teogonia.

Si fa un gran parlare di identità, e spesso lo si fa per delimitare, tranciare, separare col coltello il proprio io dall'io di chiunque altro.

Noi vogliamo muoverci
in direzione opposta:
rivendichiamo un'identità enorme,
che abbia come padre almeno l'Universo,
come madre almeno la Terra.

Lo facciamo col taglio che ci è caro: in parole e musica, con ironia alternata a momenti di drammaticità, lungo quel filo ideale che ci vede funambolicamente in equilibrio fra parodia e rispetto. Un po' Esiodo, un po' Woody Allen, e in certi punti anche un po' Walt Disney.

Hanno scritto

Lo spettacolo

Lo spettacolo nasce dalla stessa domanda che ci siamo portati dietro da sempre: come si rendono le parole senza punteggiatura di Molly Bloom, il flusso di coscienza più famoso della letteratura del Novecento, senza fermarsi mai, senza mettere il punto che Joyce non voleva?

La serata ha due quadri. Il primo è una vecchia festa di Natale dublinese: le zie, le quadriglie, le ballate. E fuori la neve che cade faintly through the universe, a ricoprire tutto: i vivi, i morti, gli antichi amori. È The Dead, la novella conclusiva dei Dubliners, una delle pagine liriche più alte di tutta la letteratura inglese.

Il secondo quadro è una notte di giugno.
Leopold Bloom dorme.
Sua moglie Molly non riesce a prendere sonno, e pensa.

Otto paragrafi senza punteggiatura che terminano nel Sì più famoso del Novecento.

A 101 anni dalla pubblicazione dell'Ulisse, ancora osceno, ancora poetico, ancora capace di far ridere.

Alta poesia, temi scabrosi, linguaggio a tratti osceno. Sconsigliato agli under 16.

Lo spettacolo

Julius Caesar sembra scritto ieri. Shakespeare mette a nudo la brutalità della politica, i tradimenti, le piazze che cambiano umore al ritmo della propaganda.

Il Foro sembra una timeline:
slogan, semplificazioni, narrazioni virali.
Oggi diremmo feed, reel, commenti pilotati.

La democrazia è fragile quando un potere verticale e populista si impone: da una parte l'oligarchia del leader carismatico (Cesare), dall'altra il rischio opposto, un sovranismo imperiale che azzera i corpi intermedi. Nel mezzo, persone: rapporti scritti con una precisione che fa male.

Siamo gender-blind: i ruoli passano di mano senza vincoli di genere. Perché questo classico non è un monumento: è un manuale di resistenza (e di dubbi) per l'oggi.

Lo spettacolo

In un tempo in cui un'educazione all'affetto e ai rapporti d'amore si rende un imperativo sempre più pressante, la Dual Band propone un pastiche colto, divertente e divertito, che racconta dell'attrazione e dell'erotismo partendo dal brodo primordiale, passando poi per i grandi classici letterari, per la storia della musica, per i mutamenti del costume nel corso dei secoli.

Una sorta di Il senso della vita fatto con gusto e costruito per livelli, usando registri diversi, così che ogni spettatore, indipendentemente dal suo vissuto e dall'età, possa apprezzarne la struttura.

Highbrow? Magari un tantino,
ma con la rara capacità,
che gli highbrow raramente hanno,
di ridersi addosso.

Pruriginoso? Scontato? Nemmeno un po'. Un testo leggero, ironico e garbato firmato da Anna Zapparoli, anche regia, e Mario Borciani, arrangiatore, direttore musicale e maestro che accompagna la performance. In scena quattro attori-cantanti con dinamiche talmente rodate che è difficile capire dove finisca la bravura dell'uno e cominci quella dell'altro.

Una storia di palcoscenici

Let's Talk About Sex! è stato l'evento di apertura della Pride Week 2018 al Teatro Elfo Puccini di Milano, ed è stato poi portato in tournée per stagioni e festival in tutta Italia.

I suoi predecessori, Boîte à surprises e BumbleBeetles, hanno debuttato entrambi al Blue Note di Milano, rispettivamente nel 2011 e nel 2014: BumbleBeetles ha avuto grande successo al Festival di Avignone nel 2015.

Lo spettacolo

Un pezzo della nostra storia: la nascita della televisione in Italia (1954), dal bianco e nero al colore, dai mutandoni delle Kessler all'ombelico della Carrà.

Uno spettacolo affettuoso ma non encomiastico, adatto a evocare nostalgia in chi allora c'era, ma anche, e forse soprattutto, a raccontare a chi non c'era un pezzo della nostra storia: quella del boom economico, dal bianco e nero degli anni Cinquanta all'esplosione del colore, attraverso sketch, canzoni, sceneggiati, quiz, telegiornali.

Dalla bottega al supermarket,
dalla pasta all'uovo alla carne in scatola,
dall'olio d'oliva alla margarina.

E naturalmente i Caroselli: il racconto in filigrana di un'Italia che diventa rapidamente protagonista, e vittima, del boom.

Due attori e un pianista in scena per decifrare insieme il DNA di quella che, la si voglia o no, la si ami o no, è la nostra comune Mamma Rai.

Lo spettacolo

1829: la vedova di Mozart, ritiratasi a Salisburgo, riceve la visita di un musicista ed editore inglese, Vincent Novello, a cui racconta molti particolari della vita di suo marito, morto quasi quarant'anni prima.

La Dual Band ricostruisce in forma teatrale questo colloquio, soffermandosi sull'ultimo anno di Mozart: l'anno disperato delle sue peggiori difficoltà economiche, l'anno glorioso del Flauto magico, della grande musica sacra, dall'Ave verum al Requiem.

L'anno che si concluse
con quella che un celebre critico definisce
«la più grande sciagura
nella storia della musica»:
la sua morte, il 5 dicembre 1791.

Alle scene parlate, sostenute da stralci di lettere scritte da Mozart nell'ultimo anno, si alternano in esecuzione dal vivo alcuni dei capolavori che videro la luce in quel fatale 1791: un Quintetto e un'Aria del Flauto magico, la Fantasia in re minore per pianoforte, il Lacrymosa dal Requiem.

Lo spettacolo

Una serata tutta dedicata alla Mala milanese, con Jannacci, Fo, Carpi, Gaber, i Gufi.

Parole e note che subito mettono nostalgia di una Milano sparita: una Milano preziosa, che è bello raccontare ancora, specialmente ai più giovani che non c'erano, e che non sanno che cosa vuole dire la nebbia vera.

Una nebbia che si fermava
con le sue goccioline finissime sui cappotti,
così come le note struggenti di Fiorenzo Carpi
si fermavano - e si fermano ancora -
nei nostri cuori.

Sulla scena i quattro attori-cantanti della Dual Band, accompagnati dal pianoforte. Alcune canzoni sono di origine popolare (La storia di Rosetta, per esempio), molte provengono dal repertorio dei grandi cantautori milanesi di quegli anni: Gaber, Jannacci, i Gufi, lo Strehler dell'indimenticabile Ma Mì.

Lo spettacolo

Una versione urbana e itinerante della Passione secondo Matteo di Bach, eseguita nelle strade sotterranee del Passante ferroviario di Porta Vittoria, intorno al Cielo sotto Milano, durante la Settimana Santa.

La Dual Band, in formazione SATB allargata, canta, suona e recita in tedesco l'opera bachiana, riducendola alle parti essenziali per il racconto e la coerenza musicale, e concentrando l'orchestra in due strumenti. Gli interpreti sono vestiti come i passeggeri che incontrano: zainetti, giacche a cappuccio. Si scambiano i ruoli, alternando personaggi, Coro e fedeli.

Il pubblico cammina con loro,
entra dentro al rito,
mentre il rumore degli arrivi
e gli avvisi ai viaggiatori
segnano l'ambiente.

Alla morte di Gesù, compianto dal Coro, l'interprete corre via dalle scale d'uscita con uno zainetto rosso, indossato a simbolo del mantello di Re: come un ragazzo d'oggi, uno straniero, un migrante.

Una via crucis che attraversa il quotidiano. Il Popolo (crucifige, crucifige!), il Potere (mi lavo le mani del sangue di questo giusto), e il divino: il morire calpestato e deriso, senza risentimento, mentre il cielo sorride nel canto del gallo.

Hanno scritto

Lo spettacolo

Due protagonisti: Richard e la Storia

Shakespeare è come il mondo, o come la vita stessa: ogni tempo trova in lui quello che cerca, e difatti sembra sempre che scriva di noi.

La prima cosa che ci è saltata all'occhio è che Richard è simpatico. È incredibile ma è così. Intanto perché ci fa suoi complici: continua a parlare sfacciatamente con noi, il pubblico, e ci racconta strada facendo che cosa ha intenzione di fare, pezzo per pezzo. E poi è intelligentissimo e spiritoso: i suoi ping-pong dialettici con il mondo sono come fuochi d'artificio.

Per forza tutti rimangono soggiogati da questo lump of foul deformity. Lo insultano, soprattutto le donne che ruotano intorno a lui (Shakespeare è celebrato anche per i suoi insulti, e qui ne sentirete tanti). Al Cielo, Richard è Beniamino Borciani, che non è piccolo e non è un foul lump: poi ci direte se la nostra scelta visiva vi piace.

Ma Richard gli insulti se li fa scivolare addosso: ci è abituato, e in qualche modo ha trovato, nell'abisso del disprezzo in cui è vissuto, una ragione d'essere. La sua deformità esteriore è origine, ma allo stesso tempo metafora, della sua deformità interiore. Riccardo è uno dei tanti Registi shakespeariani che «giocano a fare Dio», come Oberon, Prospero e Amleto stesso.

E poi il gruppo intorno a lui

Cinque attori
per ventotto personaggi.

Anche questo è stato un viaggio stupendo nella complicità teatrale fra antiche conoscenze (Anna, Benedetta, Beniamino) e i nuovi talentuosi e generosi amici Valentina Scuderi e Nicholas Redding.

Cinque re in scena: alcuni nella bara, altri che morranno di morte naturale o strangolati, altri che arriveranno trionfatori alla fine. Anche Al Pacino, nel suo film Looking for Richard, dichiarava che la trama è un casino. È vero. Anche perché si chiamano quasi tutti Riccardo o Edoardo: qualche volta Enrico. Ma fa niente.

L'importante è che si tratta di una famiglia disfunzionale che inscena una palestra di rapporti violenti e crudeli, dove la diversità è oggetto di maledizione profetica, e la maledizione penetra oltre le nubi fino a un Dio anch'egli pronto ad ascoltarle.

Mai come in questa vicenda le donne sono importanti: sono regine, ma sono le madri, le mogli, le nonne, che subiscono la violenza del potere e vedono spegnersi le vite che hanno generato. Esse stesse violente e al tempo stesso impotenti, queste vecchie regine trovano l'unico sfogo nelle loro invettive: una liturgia, un rituale esorcistico che ricorda il coro della tragedia greca, mentre l'azione scenica mostra epicamente la natura quasi scimmiesca dei personaggi maschili. Re o nobili che siano, non importa: sono cugini, zii, sono una famiglia, sono un branco. Sono il volto violento del potere.

Il viaggio

Per tutta la parte centrale, legata all'azione politica (e omicida), abbiamo optato per un taglio veloce, quasi cinematografico, clownesco, in cui il cambio di costume diventa in sé un virtuosismo. Si precipita verso la catastrofe in pochi gesti chiari. L'obiettivo è là: la corona. È semplice in fondo. Quanta gente manca da uccidere? Il problema si porrà dopo, quando la corona ci sarà, e la coscienza si farà sentire.

Shakespeare sapeva molto bene quanto è importante conoscere la Storia, e se stessi attraverso la Storia. È questo, a noi pare, il messaggio nella bottiglia, molto urgente, che il Bardo ci invia. Oggi, qui e ora.

Lo spettacolo

Torna lo spettacolo nato da un laboratorio per ragazzi dai 15 ai 34 anni, in cui abbiamo messo insieme tutte le nostre passioni: teatrale, musicale, pedagogica e sociale. È il primo appuntamento del Progetto ri-Costituente.

Volevamo raccontare a un gruppo di ragazzi, anzi a due, che la nostra Costituzione è stata, ed è ancora, un atto di altissima poesia, il cui valore poetico scende dal suo valore etico, e ci riguarda tutti.

Non solo teatro per,
ma teatro con.

Qui, come si addice al teatro, c'è dialettica, anzi una discussione accesa che i ragazzi hanno voluto inscenare direttamente con la Repubblica, che si palesa personalmente, con un peplo tricolore e tutte le sue torri in testa: una bellissima creatura, ma a volte un filo smemorata. Sono i ragazzi a darle la sveglia, ricordandole quel che lei stessa aveva promesso. E c'è coinvolgimento del pubblico.

Il clima di lavoro è stato di grande dibattito e creatività, un esperimento meraviglioso non solo di teatro per, ma di teatro con. Un percorso di co-creazione del testo, frutto del confronto tra giovani provenienti da contesti molto diversi, che hanno portato un contributo originale e appassionato.

Sono stati democraticamente trascelti per votazione gli articoli che più interessavano tutti: 1, 2, 3 e 4 naturalmente, ma anche 9, 10, 11, e poi da 13 a 21. E la salute, e la libertà dell'insegnamento. Con un po' di rabbia, certe volte: ma l'incertezza e la malinconia si stemperano nel confronto comune, e la vita continua, agra e allegra.

Per l'occasione Beniamino Borciani ha fondato e dirige un Coro (ri-Costituente, of course), con cui il 25 aprile 2025 abbiamo avuto l'onore di festeggiare gli 80 anni della Liberazione in un posto straordinario per parlare di pace, giustizia e uguaglianza: il Rifugio antiaereo di piazza Grandi.

Lo spettacolo

Due attori madrelingua inglese sul palcoscenico a raccontare i personaggi della storia d'amore più bella del mondo.

Impersonando di volta in volta tutti i giovani della tragedia (Giulietta, Romeo, Mercuzio, Tebaldo), Benedetta Borciani ingaggia un vero e proprio corpo a corpo col verso shakespeariano, guizzando fulminea da un duello a un bacio a un sogno, senza soluzione di continuità eppure con assoluta chiarezza: una strepitosa prova d'attrice, sostenuta con mano lieve dal filo narrativo tracciato da Beniamino Borciani (Coro, Vecchio Capuleti, Nutrice, Frate Lorenzo), che dà voce ai vecchi impotenti, sordi o pasticcioni, totalmente ignari o a mala pena coscienti di quel che avviene.

Settanta minuti
che restituiscono la bellezza
e l'autenticità del verso shakespeariano.

Sia per chi l'inglese lo conosce bene, sia (grazie ai sopratitoli in italiano) per chi si avvicina al teatro in lingua originale per la prima volta. Il tutto impreziosito dalle musiche di Mario Borciani, che per l'occasione utilizza musica rinascimentale e barocca con strumentazione elettronica.

Hanno scritto

Lo spettacolo

Un musical nato per essere fatto con ragazzi: una sinergia tra gli attori della Dual Band e Spazio Ginkgo, che lavora con minori in contesti di fragilità.

Il viaggio di Ulisse, si sa, lo chiamano odissea. Ma come si chiama il viaggio di chi da casa, e ancora bambino, è obbligato a fuggire?

Il nostro progetto è nato nel 2010, ma in un momento in cui l'Afghanistan torna tragicamente a far parlare di sé, raccontare la storia di Farid alle giovani generazioni è più che mai urgente.

Farid, prima di essere uno spettacolo,
è una persona vera.

Abbiamo conosciuto Farid personalmente in Inghilterra, a Canterbury, dove lavorava in una pizzeria. Oggi Farid è un cittadino inglese, ma la sua vicenda comincia nel 1998 a Mazar-i-Sharif, la città della moschea blu.

Farid era un bambino, e sedeva nel suo banco, a scuola, quando i talebani fecero irruzione nella città, e dettero inizio a uno dei più feroci massacri della tormentata guerra afgana. In sei giorni furono uccise più di seimila persone, tra cui, probabilmente, i genitori di Farid: ma di questo lui non ha la certezza, perché non ebbe modo di scoprirlo.

Mani adulte lo trascinarono via, e qui comincia il lungo viaggio di Farid. Il bambino attraversa fortunosamente Afghanistan, Iran, Turchia, Grecia, Italia (particolarmente impressionante il racconto del suo arrivo a Brindisi appeso sotto a un camion) e Francia, riuscendo finalmente a coronare il suo sogno di saltare, in barba ai poliziotti francesi, sul treno che, sotto il mare, lo porterà alla meta desiderata: l'Inghilterra, che lui ritiene essere la capitale dell'America.

Lo spettacolo

La musica, quando è veramente popolare, ha un potere evocativo profondissimo. Chiedi a qualcuno dove ha sentito per la prima volta «Sound of Silence»: è molto probabile che te lo sappia dire. Questo è essere di più che famosi: è uno status leggendario, grazie al quale alcuni artisti abitano dentro di noi, collegandosi direttamente con la nostra memoria privata.

Nati a distanza di venti giorni l'uno dall'altro, nella stessa via del sobborgo di Queens a New York, compagni di scuola e colleghi nel saggio di fine anno (Alice nel paese delle meraviglie: Paul Simon faceva il Bianconiglio e Art Garfunkel faceva lo Stregatto), a undici anni hanno cominciato a sognare di far musica insieme.

E l'hanno fatta, producendo una serie di hit
che emozionò una generazione intera,
e continua a emozionare oggi.

Il nostro concerto-racconto segue la loro carriera: dall'infanzia nel Queens, alla fondazione del primo gruppo «Tom and Gerry», al ruolo sulla scena folk degli anni Sessanta, alla prima separazione, col famoso tour che Paul Simon compì da solo nell'Inghilterra del nord (quella dei Beatles, di cui sono perfettamente coetanei), ricevendo un cachet di 10 sterline a settimana.

E infine la fama, che arriva inaspettata, catapultando i due da una relativa oscurità al successo planetario, e causando, ironia del destino, la fine del loro sodalizio artistico, e per un pelo della loro amicizia.

Il racconto della vita di due uomini che, anche se spesso in scontro l'uno con l'altro, rimangono forse il più grande duo della storia della canzone.

Come è ormai consuetudine, la Dual Band, qui nella formazione B&B - Brother/Sister Act che vede insieme i due fratelli Benedetta e Beniamino Borciani, utilizza la formula del concerto-racconto: accanto alle più belle canzoni del celebre duo, si dipana la loro storia, inserita nella storia più grande di un momento esplosivo della scena musicale americana - e dunque nella storia di un'epoca per tutti noi.

Lo spettacolo

«Ma com'è lavorare con la famiglia?», ci chiedono spesso, con un interesse particolare per il rapporto fra i due del Brother/sister act, Ben,-edetta e -iamino Borciani. Eh, bello ma si litiga tanto, rispondiamo: sperando dal tono di far capire che tutto va splendidamente. Sì, insomma, alla fine, una famiglia normale.

E così abbiamo pensato di dedicare uno studio cronofilologicomico-musicale a questo rapporto tanto importante. E ve ne portiamo i risultati.

Lo spettacolo si chiama «Sorelli di tàlia» un po' per equità, un po' perché «fratelli» era già occupato. Ma attenzione: sorelli di Tàlia, la Musa della Commedia da ridere, che di sorelle ne aveva 8!

Che nessuno ci parli più di famiglie normali.
Normali chi, Caino e Abele?

Giacobbe ed Esaù? Tieste e Atreo? Romolo e Remo? Cenerentola e le sorellastre? L'Armando con il suo gemello, che «ci volevo bene come fosse mio fratello»? Qui Quo Qua? Il Trio Lescano?

I due Bens cantano e ce la contano; Mario Borciani è al pianoforte, ha scritto le musiche e ha arrangiato le canzoni; e Anna Zapparoli ha scritto il copione.

Lo spettacolo

The Tempest, il capolavoro estremo del Bardo: l'opera che scrisse di ritorno a Stratford, ormai lontano dai clamori della scena londinese.

Un dramma romanzesco che è tutto e soltanto magia: a partire dal naufragio voluto dal sapiente duca di Milano, Prospero, e poi gli inquietanti rumori dell'Isola, e i suoi due abitanti originari: Ariel, lo spirito alto, e Calibano, l'incarnazione del profondo.

Un'Isola piena di rumori, di suoni,
di dolci arie,
che danno gioia e non malinconia.

Un'Isola-palcoscenico-mondo, in cui gli esiliati da una Milano che Shakespeare immagina affacciarsi sul mare si perdono, si riconoscono e, attraverso una punizione fittizia, ritrovano finalmente se stessi: ma pagando un prezzo altissimo, la perdita della magia.

L'adattamento prevede quattro attori per i ruoli di Prospero, Ariel, Caliban e Miranda, e i comici Stefano e Trinculo. I naufraghi, i nobili malvagi, sono pupazzi animati da Prospero e Ariel.

Il risultato è una rappresentazione che restituisce l'autenticità del verso shakespeariano, sia per chi l'inglese lo conosce bene sia (grazie ai sopratitoli in italiano) per chi si avvicina al teatro in lingua originale per la prima volta. Le musiche di Mario Borciani, con voci arcane e climi rarefatti, si studiano di rappresentare l'Isola di rumori e dolci arie.

Lo spettacolo

La storia d'amore di Robert e Clara Schumann è lo specchio dell'Ottocento. Grande compositore lui, grande pianista lei. Una passione ostacolata dalla gelosia e dalla luciferina freddezza del padre di lei, Friedrich Wieck, e coronata da un matrimonio fortissimamente voluto da entrambi contro tutto e tutti.

Otto figli in tredici anni. E infine la tragica discesa di Robert nei meandri della follia, la sua morte, la vedovanza di Clara: che divenne, nella seconda metà del secolo, la musa e la messaggera per tutta Europa dei capolavori del marito.

Un grande amore, dunque.
Ma fu veramente così?

I diari, che i due coniugi tennero congiuntamente, le lettere di Clara, le testimonianze indirette che filtrano dalla puritanissima società sassone, ci dicono che fu poco meno che un inferno. Clara non poteva studiare il pianoforte quando lui componeva, e lui componeva tutto il giorno. Clara non poteva andare in tournée, guadagnando quel che occorreva alla numerosissima famiglia, perché le donne non potevano viaggiare da sole, e Robert non accompagnava sua moglie perché si sentiva frustrato. Infine, cosciente o no che fosse, Robert impediva a Clara di dare concerti mettendola ripetutamente incinta, lasciandosi prendere dalla malinconia e dall'alcol quando non lo era.

Nel colmo di questo inferno, mentre la mente di Robert scivolava nella follia, comparve e catturò l'affetto dei due coniugi un «eletto» (per dirla con Schumann): il giovanissimo Johannes Brahms. Nell'ultimo articolo che scrisse, Schumann diede voce all'ammirazione che Brahms suscitava in lui: ma, pochi giorni dopo averlo scritto, tentò di annegarsi nel Reno.

Fu internato in manicomio, e due anni dopo, senza che Clara, che intanto viveva sotto lo stesso tetto con Johannes, fosse mai andata a trovarlo, si lasciò morire di inedia.

La Dual Band fa rivivere questa storia con le musiche di Robert, Clara e Johannes suonate dal vivo.

Lo spettacolo

C'è una commedia di Shakespeare che sembra scritta ieri. Parla di amore, quindi parla di me, di te, di tuttə. E lo fa con una leggerezza spietata: ti fa ridere, e intanto ti sposta i piedi da sotto.

L'abbiamo presa e l'abbiamo portata dove ci piace stare: su quel crinale sottilissimo che separa, o unisce, musica e teatro. Ne nasce un musical nuovo, con musiche originali dal vivo, coreografie, e un cast misto: la Dual Band insieme a un gruppo di giovani che entra nel lavoro non come contorno, ma come cuore pulsante.

La storia (senza togliervi il gusto)

Due gemelli, Viola e Sebastiano, naufragano. Si perdono. Si salvano. Viola, per sopravvivere, si traveste da uomo. E da lì partono gli equivoci: desideri che inciampano, identità che slittano, amori che cambiano direzione senza chiedere permesso.

Perché Eros se ne infischia delle definizioni.
Se ami, ami. Punto.

Teatro per, teatro con

Questo progetto è spettacolo e laboratorio insieme. Per noi non sono due cose separate: fare teatro e fare scuola sono la stessa azione, vista da due angolazioni. Il laboratorio «12th Night» è un percorso di approfondimento artistico, e anche personale, sulle tematiche che Shakespeare mette in moto: travestimento, desiderio, identità, relazione. In scena poi ci ritroviamo tutti, compagnia e giovani fianco a fianco, a costruire una festa condivisa.

Musica dal vivo, comunità, sostenibilità

La Dodicesima Notte è una delle commedie più musicali di Shakespeare: noi la prendiamo sul serio. Le musiche sono originali e suonate dal vivo dal Trio Abdo-Buda-Marconi.

La produzione prova a essere coerente anche dietro le quinte: costumi e scene a spreco minimo, scelta plastic-free, e documentazione del processo perché il progetto resti, e possa viaggiare.

Dove siamo arrivati, dove stiamo andando

Il progetto debutta al Cielo sotto Milano, ed è pensato per essere replicabile: stiamo lavorando alla circuitazione e a una ripresa nel Pride Month 2026. Se sei un teatro, un festival, un'associazione, una scuola e vuoi ospitarlo: scrivici.

Accessibilità

Per informazioni su accessi e necessità specifiche: organizzazione@ladualband.com